‘Period-Abstraction part 2’ exhibition – Interview by Gallery the Arte Cheongdam

My paintings are being currently exhibited at Gallery THE ARTE Cheongdam and I had the honor of being interviewed by the Gallery for the occasion. I hope you enjoy the short exchange! Link to the original post here: Gallery THE ARTE

Gallery THE ARTE: Do you have specific criteria when selecting colors?

DKL: At first, I used to select colors that make me happy – as simple as that sounds, colors DO make me happy. It’s like spending time at the beach. But then, at some point, I started to challenge myself to try out colors that I didn’t like, colors I found difficult. I was curious to see how I would handle them, if I could tame them. Abstract art allows you to use only the colors you want, but I wanted to see whether I can also create artwork with colors I don’t feel attracted to, that are hard for me. I wanted to expand my artistic horizons.

More recently, I had the opportunity to travel a lot and so I started looking at pictures related to very specific memories for color inspiration.

Gallery THE ARTE: How do you use color combinations and placement to express emotion?

DKL: To give you a bit of a background, the shapes in my paintings are defined by a form that I created as part of a class project when I studied Western Painting at Ewha Woman’s University. We had to create artwork on the topic of ‘object’ and as my favorite object is a book, I was trying to showcase it in a unique way. However, I quickly realized that books have a quite uninteresting form – basically a rectangle, not much to play with. So I took a few books I was reading at the time and did a series of blind drawings while looking at the covers. They became the perfect abstract shape to explore – once you have a set frame, you can really focus on the color.

I have more than a hundred paintings in this series – in watercolor, oil paint, acrylic paint, color pencils. It’s a very intuitive process. I typically start with one color – whatever I feel drawn to the most at the time. It can be a dot, or it can be the largest surface. Then I start building on that, often reaching for my favorite colors. Then at some point I start to feel the need to balance things out, ground what I have created so far, until I reach something that satisfies me.

Balance to me is reaching a feeling of “I can stop here, this is enough, nothing else to add” – the way artists work with composition. It’s a mix between my artistic instinct and years of artistic practice and education.

Now my artworks feel like pages from a diary. When we look back at what we wrote a few years back, sometimes we don’t recognize anything and laugh at ourselves, sometimes we’re surprised at how smart we were, and sometimes the memory is still very clear. That’s how I feel about my color choices.

Gallery THE ARTE: How is your understanding of color reflected in your artwork?

DKL: I’ve always had a very strong connection to color. I was obsessed with stationery since elementary school and I painted a lot – my mother is an artists and she always helped me cultivate that skill. When I was in high school, my room had lilac walls and was filled with colorful items. I used purple ink to write in my notebooks. When I was younger, I also loved wearing bright pink or red clothes.

During my years studying art, my exploration of color was mostly instinctual, not grounded in academia. These days I also read more about Western color theory, reach for books on color harmony for designers, to expand my horizons and push myself to make new color choices. I’m also very interested in the five traditional Korean colors, Obangsaek, and intend to create an art series dedicated to the topic.

I’m originally from Poland, but I’ve been living in Korea for almost 17 years now, my husband is Korean, and I also have Korean citizenship as of 2020. Korea is my second home and I want to honor this relationship also through my art.

Gallery THE ARTE: What is your relationship with your work during the creative process? Is it always a joyful experience, or do you face challenges?

DKL: Painting is generally a very happy process, like finally going for a long walk in the park on a spring day, after a long winter. The only thing that can be difficult is when I’m dissatisfied with the results, when I feel like the experience lacks depth. But typically that just means that I need to “level up” and explore new things, so all in all it’s still positive.

박지민: 색을 선택할 때 따르는 기준이 있는가?

DKL: 처음에는 나를 행복하게 하는 색을 선택하곤 했다. 단순하게 들리겠지만 색이 나를 행복하게 하는 것은 사실이다. 마치 해변에서 시간을 보내는 것과 같다. 하지만 어느 순간부터 내가 좋아하지 않는 색, 어렵게 느껴지는 색에 도전하기 시작했다. 색을 어떻게 다룰 수 있을지, 길들일 수 있을지 궁금했기 때문이다. 색을 길들인다는 것은 내가 사용하기 어려워하는 어떠한 색을 쓰기 싫어도 쓰려고 노력하는 행위다. 사실 추상화는 작가인 내가 원하는 색만 사용해도 된다. 하지만 불편하고 어려운 색에 편해지기 위해 나는 계속해서 새로운 도전을 한다. 도전은 나의 예술 세계를 넓혀주기 때문이다.

최근에는 여행을 많이 다닐 기회가 생겨서 어떤 기억과 관련된 사진을 보며 색에 대한 영감을 얻기 시작했다.

박지민: 작가의 감정을 표현하기 위해 색의 조합과 배치를 어떻게 이용하는가?

DKL: 내 그림에 대한 배경을 조금 설명하자면, 이화여자대학교에서 서양화를 전공하던 시절 수업 프로젝트의 일환으로 그리게 된 형태가 추상화 시리즈의 기본 형태가 되었다고 말할 수 있다. 당시 나는 ’Object‘라는 주제로 작품을 완성해야 했고, 내가 가장 좋아하는 객체는 책이었기 때문에 나는 이것을 독특한 방식으로 표현하고자 했다. 그러나 나는 책이 꽤 재미없는 형태를 가지고 있다는 것을 금방 깨달았다. 기본적으로 책은 직사각형이기 때문에 새로운 시각으로 바라보기가 어려웠다. 그래서 나는 그 당시 읽고 있던 몇 권의 책을 가져와서 표지만을 바라보며 블라인드 드로잉을 해보았다. 블라인드 드로잉의 결과로 색을 탐구하기에 완벽한 추상 형태를 얻을 수 있었다. 이것을 얻은 나는 색상에 온전히 집중할 수 있게 되었다.

이렇게 시작하게 된 시리즈에는 수채화, 유화, 아크릴화 등 100점 이상의 그림이 존재한다. 작업의 과정은 매우 직관적이다. 보통 한 가지 색으로 시작하는데, 그 당시 가장 끌리는 색을 선택한다. 이 색으로 작은 점을 찍을 수도 있고 큰 표면을 칠할 수도 있다. 그다음에는 가장 좋아하는 색을 추가하면서 작업을 해 나간다. 그러다가 어느 순간부터 만족스러운 결과에 도달할 때까지 균형을 맞추려 노력한다.

만족스러운 균형이란 “여기서 멈출 수 있다, 이 정도면 충분하다, 더 이상 추가할 것이 없다”는 느낌에 도달하는 것이다. 이는 대개의 예술가가 구성을 다루는 방식과 같다. 이는 내가 가진 예술적 본능과 수년 간의 예술적 실습 및 교육이 혼합된 결과이다.

내 작품들은 일기장의 한 페이지처럼 느껴진다. 몇 년 전에 쓴 글을 되돌아보면 아무것도 기억나지 않아서 스스로 웃길 때도 있고, 얼마나 똑똑했는지 놀랄 때도 있고, 기억이 아직도 선명할 때도 있다. 내 컬러 선택에 대한 제 느낌도 그렇다.

박지민: 색채에 대한 작가의 이해가 작품에 어떻게 반영되는가?

DKL: 나는 어렸을 때부터 색상과 강한 연결감을 가졌다. 초등학교 시절부터 문구류에 집착했고, 많은 그림을 그렸다. 나의 어머니는 예술가셨고, 내가 그림 실력을 키워나갈 수 있도록 도와주셨다. 고등학교 시절, 내 방은 라일락색 벽으로 칠해져 있었고, 다양한 색의 물건들로 가득 차 있었다. 어렸을 때는 밝은 분홍색이나 빨간색 옷을 입고 노트에 보라색 잉크로 글을 썼다.

예술을 공부하는 동안 나의 색상 탐구는 대부분 본능적이었고, 학문적 기반이 없었다. 따라서 재학 시절 그린 그림을 보면 당시의 본능적인 색채 사용에 놀라게 된다. 요즘은 서양 색채 이론에 대해 더 많이 탐구하고, 디자이너를 위한 색채 조화에 관한 책을 찾아 읽으며 시야를 넓히고 새로운 색상 선택을 하도록 스스로를 밀어붙이고 있다. 또한, 오방색이라는 다섯 가지 한국 전통 색상에 매우 관심이 많으며, 이 주제를 다룬 예술 시리즈를 만들고자 한다.

나는 폴란드 출신이지만, 한국에서 거의 17년을 살았고, 남편은 한국인이며, 2020년부터 한국 시민권도 가지고 있다. 한국은 이제 나의 두 번째 고향이기에, 이 관계를 내 예술과 그 속의 색체를 통해서 기리고 싶다.

박지민: 작업 과정 중을 중심으로 작가는 본인의 작업과 관계가 어떠한가. 작업이 마냥 행복한지 아니라면 어려움이 있다던지?

DKL: 그림 그리기는 것은 긴 겨울이 지나 드디어 봄날 공원에서 산책하는 것과 같이 매우 행복한 과정입니다. 유일하게 어렵게 느껴지는 것은 결과물이 불만족스러울 때, 깊이감이 부족하다고 느낄 때입니다. 하지만 보통은 '레벨 업'을 하고 새로운 것을 탐구해야 한다는 의미이기 때문에 결국에는 어려워하는 것도 긍정적으로 생각합니다.